12 Œuvres Célèbres de Jeff Koons

LES ŒUVRES D'ART DE JEFF KOONS

Né le 21 janvier 1955 à York, Jeff Koons, artiste contemporain Pop Art, a étudié au Maryland Institute College of Art et à la School of the Art Institute of Chicago (Beaux Arts) avant de s'installer à New York à la fin des années 1970, où il a d'abord gagné sa vie comme courtier en valeurs mobilières à Wall Street.

En 2013, son Balloon Dog (Orange) s'est vendu pour la somme record monumentale de 58,4 millions de dollars à la maison de ventes aux enchères de Christie's, ce qui en fait le plus cher à l'époque pour un artiste vivant. Toujours à la recherche de nouveaux débouchés pour sa créativité, Koons s'associe en 2017 à la marque de luxe Louis Vuitton pour produire une édition de sacs imprimés de peintures européennes iconiques. Il permet à la décoration américaine d'être sacrément mise en avant, elle qui dispose de symboles particuliers. Il est à cet égard plutôt aisé d'embellir son intérieur.

Jeff Koons est l'incarnation même du néo-Pop, un mouvement des années 1980 qui s'est inspiré des artistes pop antérieurs, en particulier Andy Warhol. Ses sculptures en acier, probablement ses œuvres d'art contemporain les plus connues, transposent un souvenir d'enfance éphémère en une forme durable. Son travail peut parfois sembler bon marché, mais il est cher : un ingénieux renversement de la logique économique qui constitue la base de son étonnant succès commercial.

Plutôt que d'offenser le snobisme de l'art, Koons a mis au défi les plus grands collectionneurs de réviser leurs notions de ce à quoi ressemble l'art. C'est une brillante stratégie marketing. Ses œuvres rapportent les prix les plus élevés de tous les artistes vivants sur le marché des ventes aux enchères.

"Le travail de l'artiste est de faire un geste et de montrer vraiment aux gens quel est leur potentiel. Il ne s'agit pas de l'objet, et il ne s'agit pas de l'image ; il s'agit du spectateur. C'est là que l'art se produit."

Témoin d'un tournant dans l'histoire de l'art, Koons est un nouveau genre de génie dans l'art contemporain. S'écartant considérablement de l'idéal moderniste du visionnaire incompris, Koons est, à l'instar de l'artiste contemporain français Pierre Huyghe ou bien Jean-Michel Basquiat, l'anti-moderniste, l'astucieux, l'autoproclamé plaisir des foules et le promoteur avide de sa propre œuvre.

Au milieu des années 1980, le travail acharné de Koons porte ses fruits. Ses pièces attirent l'attention des critiques et ses œuvres commencent à être très demandées.

Pour répondre à cette demande, Koons a créé une usine de production dans le quartier de SoHo, à New York, et a rapidement recruté des dizaines d'assistants pour l'aider à créer ses œuvres. Aujourd'hui, sa maison de production emploie plus de 100 assistants qui sont capables de reproduire des œuvres dans un style qui donne l'impression qu'elles ont été produites par "une seule main".

L'œuvre de Jeff Koons est souvent qualifiée de pop art en raison de son utilisation de méthodes industrielles et de l'accent mis sur les objets quotidiens et populaires.

Les œuvres présentées ci-dessous sont les plus importantes de Jeff Koons. Elles donnent un aperçu des principales périodes de création et soulignent les plus grandes réalisations de l'artiste.

1. Balloon Dog

Les reproductions d'animaux en ballon de Jeff Koons font partie de ses œuvres les plus reconnaissables. Généralement réalisées en acier inoxydable poli dans une variété de couleurs, ces œuvres reflètent un élément de jeu d'enfant et de culture jetable, qu'il créé sous une forme définitive et consistante.

Koons a toujours affirmé avec véhémence qu'il n'y avait pas de sens caché dans ses œuvres. Pourtant, lors d'une interview, il a décrit ses sculptures de chien ballon comme un "symbole de nous". Il a affirmé que la façon dont le chien en ballon fait référence à l'action d'inspirer et d'expirer est profondément symbolique de la condition humaine. Il a également comparé les animaux gonflables au cheval de Troie, perçu comme vide et pourtant plein de symboles.

Le chien est l'un des animaux les plus reconnaissables et les plus familiers dans la vie de l'humanité. Ils ont longtemps été utilisés comme un symbole de connexion et de compagnie pour l'homme. Sous la forme d'un animal en ballon, le chien est profondément lié à nos souvenirs individuels de jeux et d'amusements d'enfance : une expérience qui parvient à être à la fois collective et profondément personnelle. Le plus souvent distribués lors de fêtes privées ou fêtes foraines, les animaux en ballon sont un symbole jetable de notre jeunesse matérialiste et de notre fascination pour les sculptures et les symboles temporaires.

Il y a quelque chose de palpable dans la réaction émotionnelle que beaucoup d'entre nous ont face à un objet qui nous rappelle si vivement la magie et le charme de l'enfance. Un sentiment qui semble étrangement en contradiction avec le discours apparent sur le capitalisme et la marchandisation de l'art dans les œuvres de Jeff Koons.

Outre les sculptures plus petites de Balloon Dogs, Koons est également connu pour avoir produit une énorme version de 3 mètres de l'œuvre, qui écrit notre sentimentalité d'enfance en grand, éclipsant nos souvenirs. La surface solide et métallique des chiens ballons de Koons semble également défier nos attentes et nos souvenirs, jouant avec la forme et capturant notre propre réflexion lorsque nous nous arrêtons pour l'étudier.

Le chien en ballon de Koons fait appel à nos souvenirs et à nos émotions, représentant la forme étrangement familière et fiable d'un cadeau de fête, une représentation amusante de notre proche compagnon animal, mais en subvertissant d'une manière ou d'une autre la forme pour la rendre instantanément inconnue et indéniablement commerciale et grossière.

2. Rabbit

En 1979, Jeff Koons a réalisé Inflatable Flower et Bunny (Tall White, Pink Bunny), qui a été à l'origine d'une grande partie de son œuvre future. Cette sculpture, qui fait également partie de la collection de The Broad, présente deux jouets gonflables en vinyle, une fleur et un lapin rose, qui reposent sur et devant quatre miroirs carrés.

Sept ans plus tard en 1986, Koons se débarrasse de la fleur, mélange le miroir et le lapin, et crée Rabbit.

Le passage du mot "Bunny" (petit lapin, enfantin) au mot "Rabbit" est intriguant. Bunny est mignon et mou ; Rabbit est rapide et vif. La carotte dans la patte du lapin est brandie comme une arme, et la coque en vinyle du lapin, autrefois souple, étanche et bon marché, a été remplacée par une armure en acier inoxydable coûteuse, qui reflète tout ce qui entoure Rabbit et détourne toute allusion à l'intérieur de la sculpture.

3. Puppy

Depuis l'ouverture du musée Guggenheim de Bilbao en 1997, un chien de garde connu sous le nom de Puppy a gardé ses portes avec un manteau changeant, composé de dizaines de milliers de fleurs. Toujours sur ses gardes, ce Terrier, un "petit" chien écossais à fourrure blanche de 12,40 mètres de haut et pesant environ 16 tonnes), accueille les visiteurs depuis près de deux décennies.

Qu'il pleuve ou qu'il vente, que des pensées d'hiver fleurissent dans son pelage, ou même que personne ne se présente pour le prendre en photo tôt le matin. Il attend patiemment aux portes de la culture que quelqu'un vienne prendre une photo à ses côtés. Les touristes de la ville et du musée ne se retiennent pas, et courent vers la statue pour avoir une chance de prendre un selfie. Et dire que Puppy a été initialement confondu avec un chat ! Certains s'approchent de sa base et touchent sa fourrure couverte de fleurs, car Puppy n'a pas de clôture pour le protéger de la grande affection des visiteurs.

Puppy s'inspire d'une petite sculpture en bois représentant un Terrier que Jeff Koons a créée en 1991. Bien que l'œuvre originale ne mesurait que 52 cm, Koons a choisi le terrier parce qu'il pensait qu'il serait désarmant et non menaçant, quelle que soit sa taille. Avec ses 12 mètres 40 de hauteur, ses 55 tonnes de terre et ses 60 000 plants de fleurs, la version 2.0 de 1996 de Puppy était tout sauf petite.

Si Puppy a été créé comme un symbole d'amour et de bonheur, il est fermement ancré dans le discours de Koons comme celui de l'excès capitaliste tardif.

4. Tulips

Tulips, l'œuvre de Jeff Koons, a été créée à York en Pennsylvanie. Elle représente un bouquet de 7 tulipes d'environ 5 mètres de long sous la forme de gros ballons luminescents, donnant une impression d'apesanteur. Elle est exposée à l'arrière du musée Guggenheim Bilbao.

Surplombant le spectateur dans un flamboiement de splendeur multicolore, chaque couleur se reflétant et rebondissant de manière spectaculaire sur l'autre pour créer un effet arc-en-ciel intense, les Tulipes monumentales de Jeff Koons marquent le crescendo technique de sa série Celebration.

Dans ce chef-d'œuvre sculptural intemporel, Jeff Koons a pris la simple nature temporaire d'une petite sculpture légère en forme de ballon, créée en quelques secondes, et l'a fait exploser à une échelle XXL. C'est une sculpture enchanteresse qui donne l'illusion d'une apesanteur joyeuse, mais qui est paradoxalement lourde, puisqu'elle utilise plus de trois tonnes d'acier inoxydable méticuleusement sculpté. Il s'agit d'une sculpture multivalente, qui opère à plusieurs niveaux, depuis la beauté visuelle simple et directement saisissante de l'objet et son échelle impressionnante, jusqu'à la complexité révolutionnaire de sa fabrication et aux thèmes conceptuels profonds qui se cachent sous sa surface apparemment sans défaut.

La série Celebration est née du désir de Koons de recréer les expériences profondes d'un enfant qui jouit du monde dans sa plus grande légèreté. Créant des formes qui rappellent les sculptures de Constantin Brancusi ainsi que les jouets d'enfants, Koons a puisé dans le canon de l'histoire de l'art en prenant des fleurs comme sujet pour cette nature morte colossale, introduisant les idées de memento mori ainsi que de romance et de beauté. Les fleurs ont constitué un fil conducteur tout au long de la carrière de Koons, apparaissant déjà dans ses Inflatables de 1979, et ont été mises en avant dans sa série Made in Heaven en 1991, où il a souligné leur nature sexuelle.

Tulips marque l'aboutissement sculptural de ce thème et de la désormais légendaire série Celebration de Koons. Elle a été créée dans une édition de cinq versions, chacune présentant un arrangement unique des couleurs des fleurs. Les autres exemplaires sont détenus par des collections de premier plan : l'un d'entre eux a été présenté lors de l'inauguration du Broad Contemporary Art Museum du Los Angeles County Museum of Art en 2008, tandis que d'autres se trouvent au Guggenheim Bilbao, à la Fondation Prada et à la Fondation Viktor Pinchuk ; un exemplaire a également été créé pour être exposé en Chine et est prêté pour dix ans à l'ambassade des États-Unis à Pékin.

5. Hulk Organ

Dans un projet qui s'est récemment achevé, Koons a réalisé sa sculpture Hulk (Organ) en 2004, pour laquelle ont été fabriqués des composants d'orgue. Le son des tuyaux jouables par des claviers d'orgue entièrement fonctionnels ressemble à l'apparence masculine de Hulk avec une tonalité forte et puissante. Koons a déclaré : "C'est du haut niveau de testostérone. C'est vraiment, vraiment fort".

Koons voulait explorer le contraste de la testostérone et de la masculinité, que Hulk représente, lorsqu'il est associé à des symboles neutres ou féminins, neutralisant pour ainsi dire le binaire. Cette œuvre fait partie d'une série plus vaste que Koons appelle "Hulk Elvis", dans laquelle chaque pièce représente un Hulk géant comme celui-ci, placé avec des jouets, une brouette avec des fleurs vivantes ou la Liberty Bell.

En plus de son exploration des normes de genre, Koons pense que Hulk (Organe) représente à la fois la culture occidentale des bandes dessinées et les dieux gardiens orientaux. Il a déclaré : "Ils sont là en tant que protecteurs, mais en même temps, ils peuvent devenir très, très violents..."

6. New Hoover Convertibles Green, Blue - Doubledecker

New Hoover Convertibles Green, Blue - Doubledecker (Jeff Koons, 1981-1987)

Dans l'œuvre de Koons, l'aspirateur est un symbole important et récurrent. Dans les causeries à son propos, il a attiré l'attention sur ses qualités anthropomorphiques et androgynes, presque comme s'il s'agissait d'une figure totémique. "C'est une machine respiratoire, a-t-il déclaré, qui affiche la sexualité masculine et féminine. Elle a des orifices et des attaches phalliques."

Dans la série "The New", Koons rappelle le fétichisme de l'Amérique pour des biens de consommation neufs et purs, ainsi que leur relation avec des notions de sexualité, d'innocence et de propreté. Ici, quatre aspirateurs commerciaux logés dans une vitrine monolithique en plexiglas sont éclairés par le bas avec des lampes fluorescentes.

La catégorisation des New Hoover Convertibles en tant qu'art transforme l'étalage de détail en un sanctuaire pour le commerce. En tant que "art", elle exprime une multitude de faits miraculeux dépeints par les artistes, de la résurrection de Lazare à la résurrection du Christ. Il nous rappelle les façons dont la vie moderne a été transformée par des "machines à respirer" vivantes.

Que Koons célèbre ou condamne cette transformation est une question ouverte. La capacité de Koons à prendre le pouls de telles ambiguïtés morales, sans dire au spectateur ce qu'il doit penser, est peut-être sa plus grande force en tant qu'artiste.

Vacuum cleaners, plexiglass and fluorescent lights (Aspirateurs, plexiglas et lampes fluorescentes) - The Whitney Museum of American Art, New York 

7. Jim Beam - J.B. Turner Train

Jim Beam - J.B. Turner Train (Jeff Koons, 1986)

Achevée en 1986, Jim Beam : J.B. Turner Train est l'une des œuvres clés de la série Luxe et Dégradation de Koons, dans laquelle l'artiste a cherché à créer un "faux luxe" comme il l'a dit, "visuellement enivrant, désorientant", promettant les attributs du succès, mais offrant en réalité la dégradation.

L'alcool, symbole ultime de ce type de luxe menaçant, est la substance mise en valeur par ce train miniature de près de trois mètres de long, en acier poli et rempli de whisky Jim Beam. Bien qu'un spectateur non averti puisse raisonnablement supposer que le whisky est remplaçable, Koons a affirmé que si le contenu de cette œuvre est consommé, il détruira l'œuvre d'art.

En insistant sur le fait que le whisky était un élément irremplaçable de l'œuvre d'art, Koons présentait en fait à son public la définition même d'un ready-made : un objet quotidien (ou dans ce cas-ci une substance) présenté comme de l'art, mais qui ne peut rester de l'art que tant qu'il est inutile. L'affirmation de Koons implique également que ce whisky est différent des autres, ce qui nous conduit rapidement vers des comparaisons religieuses.

D'autres œuvres de cette exposition, des vases en acier inoxydable remplis d'alcool et accompagnés de toiles imprimées de publicités pour les alcools, nous incitent à boire et retardent à jamais notre satisfaction. Elles ont pour but de transmettre la tension créée par le luxe, son amalgame avec le loisir et l'évasion, mais aussi son rapport à l'abus et à la dégénérescence.

Stainless Steel (Acier inoxydable, Bourbon) - Collection privée

8. Hennessy, The Civilized Way To Lay Down the Law

Hennessy, The Civilized Way To Lay Down the Law (Jeff Koons, 1986)

Cette oeuvre est une réédition inchangée d'une publicité pour le cognac Hennessy. La présentation de cette publicité dans une galerie l'ouvre à un niveau d'examen approfondi non souhaité par l'entreprise.

Un élégant couple afro-américain se détend dans un appartement joliment meublé. L'horloge indique quelque peu après 2 heures du matin, et l'homme relève les yeux de ses livres de Droit, enlève ses lunettes et sourit à sa charmante épouse. Elle porte son gilet et lui fait la cour avec coquetterie, lui tend un verre de Hennessy pour lui rappeler qu'il est temps de venir se coucher. "Hennessy, La manière civilisée de faire la loi", une légende typique de la symbolique multi-couches de l'industrie publicitaire, accompagne l'image.

L'inspiration de Koons pour la série dans laquelle sont inclus cette oeuvre et Jim Beam : J.B. Turner Train (1986) lui est venue alors qu'il prenait le métro à New York, période pendant laquelle il a étudié "tout le spectre de la publicité", de "la base économique la plus basse au niveau le plus élevé", et a observé "comment le niveau d'abstraction visuelle [changeait]. Plus l'argent entrait en jeu, plus l'abstraction augmentait. C'était comme s'ils utilisaient l'abstraction pour vous dévaloriser..."

L'œuvre a été exposée aux côtés des trains en acier inoxydable de Koons transportant de l'alcool et d'autres réimpressions de publicités pour l'alcool dans sa série Luxe et Dégradation. Les symboles de statut, d'aspiration et de richesse sont ici soigneusement conçus de manière à cibler les insécurités d'une communauté minoritaire particulièrement vulnérable à l'alcoolisme.

Si l'image renforce une perception positive des minorités, les mots ont de multiples associations, dont certaines sont résolument négatives. L'expression "établir la loi" signifie donner des instructions de manière autoritaire et est souvent utilisée pour décrire les conjoints qui fixent les limites de la consommation d'alcool.

Si l'intention de Koons est clairement de nous donner un aperçu direct de la psychologie manipulatrice de la publicité, il ne fait aucun effort pour intervenir ou corriger les messages au cœur de cette œuvre. Il maintient ici une ambiguïté qui ferait partie de son attrait pour un public artistique sophistiqué.

Encres à l'huile sur toile - Collection privée

9. Michael Jackson and Bubbles

Michael Jackson and Bubbles (Jeff Koons, 1988)

Michael Jackson and Bubbles est peut-être l'expression ultime de l'intérêt constant de Koons pour le mépris des conventions du bon goût. Contrairement à sa re-présentation des publicités pour le Cognac, il n'y a pas ici de message moralisateur évident, ni d'ironie, du type que l'on pourrait attendre d'un artiste comme Claes Oldenburg.

Cette sculpture en porcelaine ornée, légèrement plus grande que nature, est basée sur une photographie de la pop star et de son singe de compagnie, Bubbles. Son charme criard est une attaque éhontée contre la sensibilité raffinée des initiés du monde de l'art. D'autre part, l'or est un matériau associé à l'iconographie chrétienne depuis le Moyen Âge.

En accord avec l'approche de Koons à des formes aussi banales que l'aspirateur, il reconstruit Jackson comme une icône religieuse, évoque le culte de la célébrité dans la culture pop, et nous rappelle les sacrifices que les individus devaient faire pour maintenir leur statut de célébrité.

L'exécution impeccable - comparable à celle d'un chef-d'œuvre de la Renaissance - et l'échelle imposante de cette sculpture soulignent le manque d'intention humoristique. Koons nous demande, en effet, de considérer Michael Jackson and Bubbles comme une œuvre d'art sincère et significative.

Porcelaine - Musée d'art moderne de San Francisco, San Francisco 

10. Made in Heaven

Made in Heaven (Jeff Koons, 1989)

Made in Heaven, une série de photographies à grande échelle représentant Koons dans une variété de poses sexuellement explicites avec sa compagne (la star du X italien et bientôt épouse Ilona Staller), reste la série la plus contrastante et controversée de l'artiste. L'exposition, dont la première a eu lieu en 1991 à la galerie Sonnabend, comprenait ce panneau d'affichage, annonçant un long métrage que Koons avait l'intention de produire avec "La Cicciolina" (nom de scène de Staller). Un projet qui n'a jamais été réalisé.

Même les critiques qui avaient jusqu'alors aimé son travail ont cherché à prendre leurs distances avec cette œuvre, qui a suscité une condamnation quasi universelle.

Alors que d'autres artistes, de Carolee Schneeman à Vito Acconci, s'étaient mis en scène dans des actes sexuellement explicites, et que les poses dans les œuvres de Koons citaient des tableaux de vieux maîtres bien connus, l'opinion générale était que Koons, en se présentant comme une star du X (et sa femme, qui était en était vraiment une) dans ces images, avait dépassé les limites du bon goût.

C'était précisément le but recherché. Poursuivant un raisonnement qui commence bien plus tôt dans son travail, Made in Heaven soulève la question suivante : si une affiche et un aspirateur peuvent constituer de l'art, pourquoi pas des images classées X ?

Lithograph Billboard (Panneau d'affichage lithographique) - Collection privée

11. Balloon Flower

Balloon Flower (Jeff Koons, 1995-1999)

Les œuvres les plus célèbres de Koons à ce jour sont les sculptures imposantes inspirées par des animaux en ballons. Celle-ci mesure plus de trois mètres de haut et pèse plus d'une tonne. Sa peau somptueuse, selon l'artiste, est destinée à "manipuler et séduire", comme le décor baroque des cathédrales chrétiennes.

Comme le caoutchouc brillant et bon marché qu'elle est censée imiter, la surface de la Balloon Flower évoque l'éternel attrait du métal précieux. Comme il s'agit bien de métal, sa surface immaculée et réfléchissante et ses joints parfaitement dissimulés nous invitent à nous émerveiller de la symétrie absolue et de la perfection des objets. De près, cependant, la composition globale s'estompe et le spectateur est confronté à sa propre image déformée et imparfaite.

Koons a un jour fait remarquer qu'il croyait que des œuvres comme le très similaire Balloon Dog étaient "une pièce très optimiste, c'est un ballon qu'un clown tordrait peut-être pour vous à une fête d'anniversaire. Mais en même temps, c'est un cheval de Troie. Il y a d'autres choses ici qui sont à l'intérieur : peut-être la sexualité de la pièce."

L'œuvre rappelle l'optimisme et l'émerveillement débridés de l'enfance, tout en fonctionnant simultanément comme un memento mori de cet état naïf de développement, remplacé à l'âge adulte par la convoitise du luxe et de la beauté.

L'idée que le commerce est la nouvelle religion est, à bien des égards, la clé de l'œuvre de Koons. S'appuyant sur Duchamp et Warhol, il exploite une iconographie religieuse (surtout catholique) empruntée à l'histoire de l'art occidental.

Mirror polished stainless steel with transparent color coating (Acier inoxydable poli miroir avec revêtement de couleur transparent) - Photo du petit parc devant le 7 World Trade Center à New York City.

12. Play-Doh

Play-Doh (Jeff Koons, 1994-2014)

Pour des générations d'adultes, des baby-boomers à la génération Y, la simple vue de Play-Doh est nostalgique, évoquant l'odeur et l'attrait tactile de cette étrange, mais apaisante substance synthétique.

Dévoilé pour la première fois lors de l'exposition rétrospective de Koons en 2014 au Whitney Museum of American Art à New York, Rendering of Play-Doh est le point culminant de deux décennies de planification et d'exécution. La plupart d'entre nous (artistes et non-artistes) réalisions nos premières sculptures à partir de Play-Doh. Il y a donc un élément humoristique et auto-référent dans cette œuvre de l'un des sculpteurs les plus célèbres du monde, qui revient à la case départ.

L'apparente simplicité du travail, cependant, est trompeuse. Ce qui ressemble à des restes de Play-Doh assemblés au hasard a été soigneusement construit à partir de polyéthylène et finalement assemblé à partir de vingt-sept pièces d'aluminium peint qui s'emboîtent les unes dans les autres.

Comme Balloon Dog, il mesure près de trois mètres de haut et transforme un thème éphémère et jetable de l'enfance en un monument, prêt à résister à l'épreuve du temps. 

Aluminium polychromé - Collection Bill Bell

JEFF KOONS, VEDETTE DU MARCHÉ DE L'ART MODERNE ET CONTEMPORAIN

Plus les années passent, et plus Jeff Koons s'impose comme l'un des artistes d'art contemporain qui peut tout faire. Une de ses dernières oeuvres correspond à un collage pictural dans le but de rendre hommage à Picasso, dans lequel il associe les images d'une Aphrodite romaine, d'une sculpture de Papouasie Nouvelle-Guinée et de Vénus et Adonis.

Une liste des expositions d'oeuvres d'art contemporaines de l'artiste, qui remplit galeries et musées, est disponible via ce lien.

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